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The Figurative Perspective Fernando Botero Rubens' Wife, 1963 Oil on canvas, 72 1/8" x 70 1/8 Coll. The Solomon R. Guggenheim Museum, New York. Purchased with funds, contributed by Fundacion Neumann, Caracas, Venezuela, 1966 Photo: Robert E. Meier The genre of realist painting and sculpture extends over the entire period under review and witnessed considerable permutations during this time. In the 1920s and 1930s, the Mexican School of Realism set the tone and direction for those artists working in a realist mode. By the 1940s, Magic Realism and Surrealism offered an alternate and liberated attitude toward the observable world. By the 1950s however, at a time when abstraction had begun to attain popularity in practice and acceptance, there was no single prescription for realist painting; instead, Latin American artists sorted through a number of sources and inspirations. The 1960s introduced two additional possibilities with the arrival of Pop Art and Figural Expressionism. The one constant in these investigations was that the visual world supplied the primary stimulous for artistic creation. [[image - painting]] The beauty of landscape, poignancy of a portrait, humor in daily life, richness of folkloric tradition - these are just a few of the themes recorded by artists who practiced a realist style. The range of subject matter was abundant and extensive, embracing the figure, still life and landscape and in temperaments ranging from the quotidian to the sublime. The history of art itself also became a topic of exploration and interpretation. Most interesting perhaps, are those artists who used the vocabulary and techniques of art to question both the validity and parameters of an objective reality. Examples of these investigations occupy a zone between realism and abstraction and succeed in offering a greater insight into existence and the self. This echibition was organized by the Bronx Museum of the Arts, Bronx, New York. Additional support was provided by the Rockefeller Foundation, the Ford Foundation, the National Endowment for the Humanities; the National Endowment for the Arts; the New York State Council on the Arts; the New York Council for the Humanitites; the Altman Foundation; Integrated Resources, Inc.; Reliance Group Holdings. This exhibition is supported by an indemnity from the Federal Council on the Arts and the Humanities. La Perspectiva Figurativa Fernando Botero La Esposa De Rubens, 1963 Al oleo sobre lona, 72 1/8" x 70 1/8" Col. The Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York. Adquirido con fondos proporcionados por la Fundación Neumann, Caracas, Venezuela, 1966 Foto: Robert E. Mates El Genero de la pinturas y la escultura realistas abarca la totalidad del periodo a que hacemos referencia, habiendo surgido multitud de permutaciones a lo largo del mismo. En los anos 20 y 30, las tónica y señalado la pauta para los artistas que trabajaban dentro del marco del realismo. Ya en los anos 40, el realismo mágico y el surrealismo brindaban una actitud distinta, liberada, hacia el mundo de lo observable. Sin embargo, en los anos 50, época en que lo abstracto comenzaba a conquistar popularidad, tanto en su practica como en su aceptación, no existía una sola formula de expresión en la pintura realista; por su parte, los artistas latinoamericanos prefirieron ir en busca de diversas fuentes e inspiraciones. En la década de 1960 surgieron dos nuevas posibilidades con el advenimiento del Arte Pop y el expresionismo figurativo. El denominador común de todas estas investigaciones era el mundo visible, que suministraba el estimulo principal para la creación artística. [[image - painting]] La belleza de un paisaje, la intensidad de un retrato, el humor de la vida cotidiana, la riqueza de la tradición folclórica- he ahi unos pocos de los temas tratados por los artistas practicantes del realismo. La temática era amplia y abundante, abarcando la figura humana, la naturaleza muerta, y el paisaje, y con temperamentos que iban de lo concebido a lo sublime. La propia historia del arte paso a ser tema de investigación e interpretación. De principal interés son tal vez los artistas que emplearon el vocabulario y técnicas del arte para poner en tela de juicio la validez y dimensiones de la realidad objetiva. Los ejemplos de estas indagaciones ocupan una zone entra el realismo y la abstracción y brindan eficaces y fructíferas intuiciones sobre la existencia y el yo. The Abstract Spirit Rufino Tamayo Endless Road (detail). 1949 Oil on canvas, 29" x 55" Coll. Elva Podesta de Holm, Courtesy Galeria Arbil, Mexico Photo: Courtesy Galeria Arvil Abstraction first made its way to the Americas not as a clearly defined pictorial language but rather as a set of general principles. Concrete examples were later provided by several artists, including a number of Latin Americans, who defined their own unique visions. Among these innovators were Joaquin Torres-Garcia, Emilio Pettoruti, Wifredo Lam, Matta and Carlos Merida. However the practice of any abstract style by artist from Latin America presented a two-edged sword and represents a situation unique to them. On one hand, those artists who wished to expand their artistic perspective beyond the visible world had to contend with a dominant and officially sanctioned school of realism that actively sought to maintain its paramount status. [[image]] This struggle was occurring at a time when most of the world, including certain countries within Latin America, had already accepted abstraction as the leading mode of expression. There was also a conscious and cautious note sounded by these same abstractionists to make work which was aware of American developments but nonetheless independent of them. This attitude in its own way implied a similar position taken by Latin American realists vis-a-vus the concern over cultural influence by the United States. They therefore set a course to create their own abstract statement relying on those Latin American predecessors cited above, reinterpreting appropriate and abundant sources available in indigenous cultures and probing their inner selves for avenues of expression. In addition to the hard- edged, geometric art of Constructivism, Latin American artists worked in the styles of Abstract Expressionism, Color Field Painting and Action Painting. Within these main categories were a number of individualized sub currents underscoring a concern in evoking a particular emotion or investigating the formal possibilities of color, shape and line. EL Espíritu Abstracto Rufino Tamayo Camino infinto (detalle). 1949 Oleo sobre lona, 29" x 55" Col. de Elva Podesta de Holm, Por cortesia de la Galeria Arbil, Mexico Foto: por cortesia de la Galeria Arbil El Estilo abstracto se abrió paso en las Americas, no como lenguaje pictórico bien definido, sino mas bien como una serie de principios generales. Posteriormente, diversos artistas, entra ellos algunos latinoamericanos (que habían definido su propia vision), proporcionaron ejemplos concretos. Entre estos innovadores figuraban Joaquin Torres-Garcia, Emilio Pettoruti, Wifredo Lam, Matta y Carlos Merida. Con todo, cualquier estilo abstracto representaba para el artista latinoamericano una espada de dos filos y planteaba una disyuntiva muy suya. Por una parte, los que querían ampliar su perspectiva artistic a mas allá del mundo visible tenían que vérselas con una escala realista oficialmente sancionada que pretendía activamente perpetuar el orden existente. [[image]] Surgia esta lucha en momentos en que el resto del mundo, incluidos ciertos países de Latinoamerica, había aceptado ya el abstractionism como el principal modo de expresión. Al mismo tiempo, estos mismos abstraccionistas instaron a la cautela deliberada con miras a producir obras que, conocedoras de las novedades norteamericanas, fueran no obstante independientes de ellas. A su manera, esta actitud conllevaba la misma posición adoptada por los realistas latinoamericanos en su preocupación frente a la influencia cultural del los Estados Unidos. Se propusieron, pues, crear sus propias expresiones realistas, apoyándoselos en la labor de sus predecesores latinoamericanos ya mencionados, y reinterpretando las fuentes abundantes e idóneas que las ofrecían las culturas indigenas, a la vez que sondeaban en su fuero interno con miras a encontrar vías de expresión. Ademas del arte filoso y geométrico del contructivismo, los pintores latinoamericanos frecuentaron el expresionismo abstracto, la pintura de campos de colores, y la pintura de acción. Dentro de estos estilos principales había una serie de subcorrientes individualizadas que hacían hincapié en la evocación de una determinada emoción o en la investigación de las posibilidades formalistas del color, la forma y la lines. Idea and Process: Beginnings Cildo Meiriles Insertions in Ideological Circuits: Coca-Cola Project. 1970 Coca-cola bottles, adhesive stickers, Coca-cola Coll. the artist Brazil Photo:Pedro Oswaldo Cruz Beginning in the late 1950s, artists in the United States and in Europe began searching for new ways to express themselves that went beyond the use of traditional materials and forms. Artists sought to expand the parameters of what had been considered art by including in its definition the very act of making art itself. The term "conceptual" art means different things to different artists, but at its simplest, it centers on the artmaking process, rather than the artwork itself. This emphasis on the idea and the process also allowed artists to incorporate a dimension of time in their works. Performances, films, and videotapes, although not static objects, began to gain acceptance as legitimate artistic mediums. Conceptual artists also began mixing these mediums to create works of art not easily classifiable into the familiar categories of painting, sculpture and architecture. The environments and Happenings of the early to mid sixties, in their incorporation of painting, sculpture, found objects, film projection, videotape, sound, and live performance, began to resemble theater, and like theater, the viewer was not considered simply a passive observer, but oftentimes a participant in the making of the work of art. [[image - photograph of three Coca-Cola bottles]] After the Second World War, the center of the avant-garde had become New York, and it was there for the most part that Latin American conceptualists flocked. Institutions like the Instituto Torcuato di Tella in Buenos Aires and international exhibitions like the São Paulo Bienal facilitated the sharing of ideas between the United States and Latin America. The major wave of Latin American Conceptual artists came to the United states in the late sixties, reaching its peak in the early seventies. However, throughout the sixties, a small but significant number of Latin American artists established a presence in the New York art world in their participation in activities already in progress, from the goings on at Andy Warhol's Factory to exhibitions of kinetic art at the Howard Wise Gallery and performances at the Judson Memorial Church. Idea y Proceso: Albores Cildo Meiriles Inserciones en Circuitos Ideologicos: Proyecto Coca-Cola (detalle). 1970 Botellas de Coca-Cola, etiquetas engomadas, Coca-Cola Col. del artista Brasil Foto: Pedro Oswaldo Cruz Afines de la década de 1950, los artistas norteamericanos y europeos empezaron a buscar nuevas maneras de expresarse que fueran más allá de los materíales y formas tradicionales. Hubo entre ellos quienes trataron de ampliar el marco de lo que se había venido considerando como arte, incluyendo en su definición el mismo acto de "hacerr arte" El llamado arte "conceptual" significa distintas cosas para distintos artístas, pero en su sentido más sencillo, se concentra en el proceso artístico antes que en la obra de arte. La idea de que el arte podía superar su identidad come objecto, dió rienda suelta a los artistas para incluir cualquier cosa en sus obras, ya fueran objectos "que uno encuentra por ahi", como una rueda de bicicleta o un colchón, o los fabricados a máquina. Los espectáculos, las películas, las cintas magnetoscópicas, aunque no eran objectos estáticos, empezaron a adquirir aceptación como medios artísticos legítimos. Los artistas conceptuales también entremezclarron estos medios con miras a la creación de obras de arte difíciles entremezclaron do clasificar en las categorías previamente conocidas de pintura, escultura y arquitectura. Los entornos y "Happenings" de principios a mediados se la década do 1960, al incorporar la pintura, la escultura, los objetos "que uno encntra por ahi", la proyección de películas, videocintas, sonido, y espectáculos en vivo, empezaron a parecerse a las representaciones de teatro, y al iqual que en éstas, el espectador pasivo, sino que a menudo se convertía en participante de la obra de arte en vías se creación. Después de la Segunda Guerra Mundial, Nueva York se convirtió en el centro vanguardista del arte, y a ella afluyeron la mayor parte do los artistas conceptuales latinoamericanos. Ciertos organismos, como el Instituto Torcuanto di Tella, do Buenos Aires, y ciertas exposiciones internacionales, como la Bienal de São Paulo facilitaron el intercambio de ideas entre los Estados Unidos y la América Latina. La ola más crecida de artistas conceptuales lationamericanos llegó a los Estados Unidos a fines de los años 60, alcanzando su máximo a principios de los años 70. No obstante, a lo largo de la decada do los 60, un grupo pequeño pero importante de artistas latinoamericanos hizo acto do presencia en el mundo artistico neoyorquino, participando en las actividades ya en curso, desde los sucesos en la Fábrica de Andy Warhol hasta las exposiciones de arte cinético en la Galería Howard Wise y representaciones en la Iglesia Judson Memorial.
